Clip Art incluindo fundos, bordas e gráficos isentos de royalties – uma história recente
Clip Art tem sido usado de várias formas desde meados do século passado. “Spot Illustrators” foram contratados por publicações impressas, agências de publicidade e assim por diante nas décadas de 1930, 1940 e 1950 e na década de 1980 para criar visuais rápidos em preto e branco para acompanhar anúncios, artigos, fóruns, contos e outras obras literárias que precisava de um elemento gráfico para ajudar a atrair o leitor.
O meio mais antigo e popular usado para criar clipart foi a caneta e a tinta. Desenhos de caneta e tinta ou “Line Art”, foram criados exatamente como o nome indica, com uma caneta de mergulho ou “nib” e um tinteiro cheio de tinta preta. O Artista, vamos chamá-lo de “Art Guy”, molhava a caneta no tinteiro, batia o excesso de tinta na borda do frasco e com mão firme começava a desenhar sua ilustração. Um papel de estoque de alta qualidade com acabamento liso, que às vezes incluía velino, era e ainda é a escolha da maioria dos artistas. Alguns artistas preferiram desenhar seu assunto com um lápis primeiro para criar um “modelo” no qual aplicar a tinta por cima.
Terminada a ilustração, deixou-se secar sozinha. Para secar a tinta mais rapidamente, alguns artistas usaram “Pounce”, que é um pó fino polvilhado com moderação sobre a ilustração molhada. O pó de ataque pode ser criado usando uma variedade de materiais, incluindo areia, pedra-sabão, talco e até sal finamente moído. Pounce também é usado por calígrafos.
Depois que a ilustração estava seca, ela foi entregue ao operador da Stat Camera e fotografada em uma câmara escura para criar um filme a partir da arte pronta para a câmera. Imagens em preto e branco sombreadas ou “meio tom” podem ser criadas a partir da arte totalmente preta usando vários filtros de padrão de pontos e depois transferidas para o papel. Usando esse processo, cópias infinitas da arte original poderiam ser criadas, muito parecidas com as copiadoras eletrônicas inventadas muitas décadas depois. As cópias em papel foram aparadas e “cortadas no tamanho certo” em preparação para o processo de publicação e, em seguida, “Art Guy” foi para a sala de produção para fazer sua coisa legal de “layout”!
“Layouts” foram criados combinando texto e imagens de maneira agradável e aderindo os vários objetos ao papel pautado. As regras ajudaram o artista de produção a alinhar as imagens horizontal e verticalmente. Impressas com tinta azul, as regras não podiam ser fotografadas, tornando-as invisíveis na publicação impressa final. Aderir o texto e as imagens ao papel pautado foi realizado usando uma variedade de métodos. As colas caseiras eram uma escolha comum, mas na década de 1940 a cera de abelha tornou-se popular. Máquinas de cera eletrônicas foram conectadas a uma tomada e deixadas para aquecer. Blocos de cera de abelha foram inseridos em um tanque de aquecimento dentro da máquina e o calor do tanque derreteu a cera em líquido. Um mecanismo na parte superior da máquina permitia ao usuário alimentar o clipe de papel em uma extremidade “seca” e, em seguida, recuperar a arte da outra extremidade “encerada”. A máquina encerou apenas um lado do papel, permitindo ao usuário fixar a imagem no papel de layout usando uma ferramenta de polimento e rolo de borracha. O texto foi aplicado usando o mesmo processo. O layout completo foi então levado para a câmara escura, onde foi filmado com uma câmera e um negativo de filme criado. Um curto processo depois e o negativo do filme se tornou uma placa “positiva” pronta para impressão offset.
À medida que a indústria de publicações progredia, artistas gráficos e designers gráficos descobriam que era mais fácil reutilizar as imagens preexistentes que já haviam filmado e preparado para a publicação da semana anterior. Assim, em vez de desenhar as mesmas ilustrações repetidas vezes, eles reciclaram o antigo Line Art… e pronto! A produção Clip Art nasceu e infelizmente o “Art Guy” estava desempregado!
Rapidamente, as bibliotecas da Publication House ficaram repletas de milhares e milhares de imagens recortadas. Nas décadas seguintes, estoques de imagens começaram a invadir departamentos de arte em todos os lugares. Então, felizmente no início dos anos 80, os computadores pessoais e a “era digital” salvaram a indústria. Agora, usando uma invenção futurística chamada “scanner”, uma imagem de clipe impresso pode ser colocada em uma bandeja de digitalização e convertida em X’s e O’s digitais e armazenada no disco rígido de um computador para fácil referência! Para alguém que não está familiarizado com a indústria, isso não soa como um avanço histórico emocionante, mas falando pessoalmente tanto do lado do operador de câmera da sala escura quanto como um ilustrador experiente ou “Art Guy” que ganhou experiência na publicidade indústria no início dos anos 80, os scanners foram um presente de Deus! A digitalização de imagens tornou-se um trabalho de tempo integral em algumas empresas, e pow! Assim, “Art Guy” se tornou “Scanner Man!”
Logo todo mundo estava usando clip art e, infelizmente, Spot Illustrators e Freelance Artists (como eu), que antes desfrutavam de um enorme nicho de mercado, tornaram-se obsoletos. Centenas de editoras e empresas de serviços digitais entraram na onda do clip art digital (e impresso). Com sorte, muitos desses ilustradores desempregados a que acabei de me referir encontraram um novo nicho, desde que adotassem o novo meio de computação sob sua proteção. Se você estivesse disposto a desistir de sua caneta e tinteiro e trocá-los por um computador pessoal, você teria uma boa chance de salvar seu sustento. Caso contrário, você seguiu o caminho dos dinossauros.
Com o passar dos anos, todo o processo tornou-se menos “prático” e mais orientado para a produção. Deixe-me explicar. A primeira etapa da criação de arte digital seria mais ou menos assim. Um artista desenharia uma imagem usando apenas tinta preta. Ele (ou ela) então pegava a imagem e a colocava virada para baixo em um scanner. Usando um software de digitalização, o artista escolheria configurações específicas, incluindo Resolução, Escala e assim por diante, e então “digitalizaria” a imagem, criando assim um arquivo formatado digitalmente. O Artista poderia escolher qual formato de arquivo melhor atendeu às suas necessidades para produzir o produto final. Os formatos de arquivo mais comuns para Line Art na época eram.bmp (bitmap) ou.pic (abreviação de formato PICtor). À medida que as fotos digitalizadas se tornaram mais populares como clip-art, formatos de arquivo como.tiff (Tagged Image File Format) e.jpg (ou.jpeg) tornaram-se mais populares. Logo a world wide web surgiu, criando assim uma enorme necessidade de arquivos de resolução menores que baixavam mais rapidamente e, portanto, os arquivos .gif (Graphics Interface Format) e .jpg se tornaram a norma para esse meio. Ambos os formatos de arquivo foram considerados arquivos raster, ou melhor, arquivos baseados em uma estrutura de dados matriciais, e a resolução pode ser reduzida para 72 dpi (pontos por polegada) e ainda parecer limpa e nítida pelo usuário da web. E sim, agora “Scanner Man” recebe um novo cargo e agora se torna “Production Guy!”
Com o passar dos anos, os arquivos vetoriais (ou arquivos baseados em expressões matemáticas) dos quais o popular formato de arquivo.eps (abreviação de Encapsulated PostScript) tornaram-se o formato mais usado por gráficas e editoras devido ao fato de que os arquivos .eps podiam ser ampliada ou diminuída em escala sem perder a resolução ou a “nitidez” da imagem. A indústria inteira virou à esquerda. Até hoje, os arquivos .eps ainda são o formato de clip art padrão da indústria.
Vamos discutir por um momento como um arquivo.eps é criado. Muito parecido com a criação de um arquivo.jpg ou.tiff conforme descrito anteriormente, a arte de linha “cópia impressa” é digitalizada usando software de digitalização, mas em vez de criar um arquivo com resolução “média” de talvez 150 dpi, o artista escolhe a resolução mais ideal possível. O truque é criar um arquivo raster de alta resolução que não ocupe todo o espaço restante em seu disco rígido! Quanto maior o arquivo, mais informações de dados, melhor a qualidade. Veja por que mais informações são essenciais. Depois que o arquivo raster é criado, o artista importa esse arquivo raster (matriz de pontos), criado com pontos, e o importa para um programa de conversão de arquivos vetoriais que transforma esse arquivo em vetores limpos e nítidos. Bam! Outro trabalho “não tão criativo” dado ao “Cara de Produção!” Em breve, nas maiores agências de publicidade e editoras, artistas que antes eram contratados para desenhar imagens originais, passavam a maior parte do dia convertendo cópias impressas e catálogos de clip-art impressos em arquivos vetoriais digitais para os geeks do departamento de arte! No início, o processo de conversão de algumas imagens digitalizadas em vetores podia levar várias horas. Agora, a maioria dos programas de software gráfico padrão da indústria possui ferramentas de conversão de vetor “incorporadas” e todo o processo pode ser executado em minutos ou mesmo segundos. Tanto para o trabalho do “cara de produção”. Com o advento do novo software de design gráfico, sua posição também se tornou obsoleta.
Mas, não se sinta mal por “Production Guy”, ao longo dos últimos anos aqueles em áreas criativas se cansaram de ver o “mesmo velho, mesmo velho” e “Production Guy” fechou o círculo. Tendo desempenhado todos os papéis que discutimos anteriormente, o velho “Art Guy” (eu) e outros artistas freelancers estão desfrutando de uma espécie de renascimento e empresas maiores em busca de ilustrações modernas e modernas estão nos colocando de volta ao trabalho! Mas não se preocupe, as antigas imagens de clip-art “testadas e comprovadas” têm seu lugar garantido no mercado de clip-art “livre de royalties”. Vamos discutir o termo “livre de royalties” a seguir.
À medida que as empresas de clip art e fontes cresciam cada vez mais, eles descobriram que algumas imagens e fontes vendiam consistentemente melhor do que outras. É claro que o primeiro pensamento que vem a qualquer verdadeiro empresário ou empreendedor é: “Como faço para ganhar dinheiro com essas imagens “premium”?” A resposta, claro, cobra um preço “premium” pelas imagens que vendem melhor do que outras. O resto das imagens de “stock clip art” tornaram-se trampolins para vender os arquivos da galeria premium. Prêmios foram colocados em imagens de clip art que tinham mais detalhes, consistiam em um assunto mais interessante ou eram apenas mais exclusivos e se destacavam do resto do pacote. Arquivos grandes de plano de fundo, quadro ou borda com mais detalhes tiveram preços mais altos do que as ilustrações de pontos menores. Ilustrações específicas de feriados com temas como Natal, Dia das Bruxas, Ação de Graças e Páscoa, juntamente com ilustrações que geram uma demanda ou interesse maior, tiveram preços acima das imagens cotidianas mais comuns. Em poucas palavras, as empresas de ilustração criaram sua própria “demanda de mercado” para literalmente qualquer imagem ou conjunto de imagens que escolheram. Por um tempo, esse “esquema” funcionou e, até hoje, em um nível menor, ainda funciona. Aqueles com dinheiro sempre poderão pagar um prêmio. Mas, e o “carinha” que não podia pagar os prêmios? O cheiro de “revolução” estava no ar!
Com a queda da economia dos EUA logo após o 11 de setembro, grandes editoras de clipart que contavam com prêmios caros que haviam tirado proveito de sua base de clientes leais anos antes, levaram uma surra no mercado e, como resultado, cliparts menores empresas começaram a surgir. Old Spot Ilustradores como eu, que salvaram suas galerias em galerias de imagens de clip art empoeiradas, tiveram a ideia de dar às maiores empresas de clip art alguma competição, oferecendo imagens “Royalty Free” ou imagens SEM PREMIUMS! Adivinha? Funcionou! Imagens Royalty Free e coleções tornaram-se a norma (novamente). Diretores de arte e designers gráficos que uma vez se curvaram diante das enormes agências de clip art acordaram e sentiram o cheiro do café sendo preparado! Era hora de uma mudança na indústria e a mudança havia chegado. Você não estava mais preso ao uso das mesmas imagens de “placa de caldeira” oferecidas por talvez cinco ou seis gigantes empresas de arte. O mundo do clip art estava se abrindo para os artistas rebeldes com suas criações menores e infinitamente mais exclusivas, e a revolução finalmente havia chegado!
Agora o “Art Guy” está de volta aos negócios, fazendo o que mais ama… DESENHAR! Talvez ele tenha trocado sua caneta de ponta e tinteiro por um computador pessoal e um mouse ou tablet de desenho, mas ele está feliz e contente mais uma vez… e EU TAMBÉM!!!